Как создавалась история игрушек
Обновлено: 25.04.2024
Внизу поста кадр с собакой из “Истории игрушек” 1995 года (также внизу видео по статье, если вам проще воспринимать визуально инфу). Да, сейчас смотреть на такое смешно и больно, но для тех времен это было мега крутым достижением. Сравните с отрисовкой шерсти кошки из новой, 4-й части Истории Игрушек. Разница колоссальна. Но для того, чтобы от этой несуразной собаки дойти до такой реалистичной кошки, студии потребовалось 24 года, в течение которых они отвечали на массу технологических вызовов.
Выпустив “Историю игрушек”, Пиксар навсегда изменили анимацию. Мульт стал настоящим прорывом как в техническом вопросе, так и в материальном. Это был первый полнометражный мультфильм, созданный полностью на компьютере, и собрал он в мировом прокате около 400 миллионов долларов, что сделало его самым кассовым фильмом 1995 года. До этого в анимации ничего подобного не было, и чтобы претворить такое в жизнь, аниматорам пришлось сделать что-то… ну, невероятное.
С тех пор студия выпустила 21 полнометражный фильм. Среди них — ВАЛЛИ, Корпорация Монстров, Головоломка, Тайна Коко, и 4 части Истории Игрушек.
Одним из самых важных факторов создания магии в Пиксар стал рендеринг — процесс прорисовки поверхности построенной модели с учетом источников света, теней, отражений, положения точки наблюдателя, движений, текстуры. В данном случае, рендеринг преобразовывает картинку с компа в готовые кадры будущего мульта, с настроенными светом и другими эффектами. И это очень трудоемкий процесс.
Для рендеринга “Истории игрушек” аниматорам понадобилось около 120 компьютеров, которые работали 24 часа в сутки. В зависимости от сложности кадра, на прорисовку каждого уходило от 45 минут до 30 часов. То есть больше суток. А всего нужно было прорисовать около 114.000 кадров.
Кстати, интересный факт. Сделать главными героями кукол решили из-за того, что ранняя 3D-анимация была так себе: всё выглядело слишком ненастоящим, и персонажи из пластика стали отличным вариантом.
По словам продюсера Джонаса Риверы, рендеринг первой части Игрушек сегодня занял бы меньше времени, чем идёт сам фильм. Но в 1995 году всё было иначе. Было много трудностей и ограничений. Например, в то время Pixar не знали, как полностью оживить человеческих персонажей. Анимация одежды занимала много времени, поэтому в фильме мы часто видим лишь руки и ноги людей. А в некоторых сценах студия освещала людей не полностью, чтобы зрители не увидели не прорисованных деталей.
«История игрушек 2» вышла в 1999 году, и у Пиксар было время, чтобы разобраться с некоторыми сложностями. Так что в сиквеле людские персонажи стали уже более чёткими и проработанными. Одним из ключевых моментов, который помог 3D-аниматорам бустануть визуализацию людей, стало сглаживание. Его они отрабатывали на вышедшем в 1998 году мульте “Приключения Флика”. Во второй части истории игрушек мальчик Энди уже больше похож на человека. Однако ж, несмотря на видимый прогресс, студия ещё несколько лет не была готова “делать” людей, аж до 2004 года, когда на экраны вышла “Суперсемейка”. Но до этого в 2001 году вышла замечательная “Корпорация Монстров”, которая тоже помогла Пиксар прокачать скиллы.
Вообще с каждым новым мультом, Пиксар расширяли свои возможности и исследовали какую-нибудь новую технологию. В “Монстрах” студия занялась отрисовкой меха и сделала огромный шаг вперёд. Такую сущность, как мех, анимировать очень сложно, потому что процесс включает в себя анимацию тысяч или даже миллионов отдельных частей тела персонажа. В мире VFX персонажи разрабатываются и настраиваются путем добавления точек движения, с помощью которых потом аниматоры могут менять движение героев вручную. Но такую сущность, как мех, необходимо автоматизировать, поскольку для перемещения каждой отдельной шерстинки, или даже пряди, потребовалось бы дофигища времени.
У монстра Салли на теле более 1 миллиона шерстинок. И мало того, что аниматоры должны были сделать так, чтобы все эти шерстинки двигались, так ещё и передать это движение правдиво, как в жизни. Согласитесь, это нереально анимировать вручную, люди сошли бы с ума. Им помогла специально созданная программа, которая с помощью физических формул позволяла симулировать такие элементы как волосы, мех, листья на деревьях, а также наблюдение за движением этого всего в реальной жизни. В данном случае за шерстью реальных животных.
В итоге "Корпорация монстров" заложила техническую основу, которая позволила Pixar создать более 250 пушистых монстров для сиквела «Университет монстров», шерсть для животных в мультиках «Рататуй» и «Вверх», водоросли в «В поисках Немо», траву на земле в «Тачках», а также волосы в “Храброй сердцем”.
Кстати, насчет волос в “Храброй сердцем”. В случае с Меридой, художники аниматоры прорисовывали отдельно каждую прядь, и каждая из них имела свой изгиб, и свои отдельные движения. К примеру, в мульте “Вверх” есть сцена, где мальчик снимает шапку с головы и взъерошивает волосы пальцами. Сцена длится всего несколько секунд, а делало её 15 человек на протяжении 6 недель. А теперь представьте, сколько времени потребовалось на отрисовку кудрявых, длинных и непослушных волос рыжей бестии из “Храброй сердцем”.
В 2003 году выходит “В поисках Немо”, и для него аниматорам снова пришлось делать то, что они никогда до этого не делали. На этот раз им надо было понять, как создать анимационный мир под водой. И снова им помогла физика и референсы из жизни. Они сняли реальное видео, воссоздали его на компьютере и разобрали по кадрам, чтобы изучить освещение и то, как свет преломляется в воде.
Когда окружение было создано, нужно было заселить мир персонажами. Самым сложным для реализации существом стал осьминог Хэнк, который появился в сиквеле “В поисках Дори” в 2016 году. Ввести его раньше создатели не могли из-за множества непростых задач.
Одна из них — щупальца, которые затрудняли работу аниматоров. Во-первых, их много. Во-вторых, они у осьминогов не сгибаются, а плавно разворачиваются. Чтоб вы понимали, специалист потратил шесть месяцев на то, чтобы правильно изогнуть одно щупальце, а впереди им ещё предстояло создать камуфляж Хэнка. Для этого аниматоры нашли онлайн-видео с кожей осьминогов и увеличенными изображениями хроматофор, и подробно изучали, при каких условиях и как осьминоги маскируются.
В общем, работка была не из лёгких, как и всегда. Но едем дальше. Вышедшие в 2006 году “Тачки” дали аниматорам возможность отточить свои навыки создания металлических поверхностей и проложили дорогу к созданию одной из самых потрясающих работ Pixar в плане визуала — ВАЛЛИ.
Для создания мульта “Рататуй”, который вышел в 2007 году, студия соединила свои навыки работы с мехом и водой, чтобы отрисовать мокрую шерсть главного героя. К слову, дождь, как и снег, и волосы, и мех, тоже сложно анимировать. Поэтому аниматоры снова, как и при работе с водой в Поисках немо, делали покадровый анализ капель дождя из реального видео.
Через год, когда на экраны вышла долгожданная “Суперсемейка-2”, ребята из пиксар снова вернулись к работе с людьми. И все эти фильмы в конечном итоге привели нас к Истории игрушек-4.
Прошло 24 года после выхода первой части и то, что мы видели в самом начале пути, перешло на кардинально новый уровень. Благодаря прогрессу, в последней части мы можем насладиться новыми персонажами — мягкими, пушистыми игрушками Утей и Заей. Также создатели сделали куклу Бо Пип более убедительной. Годы совершенствования блестящих поверхностей позволили аниматорам сделать кожу Бо по-настоящему фарфоровой.
Каждый новый мультфильм понемногу расширял визуальный язык Пиксар. Каждая следующая остановка в этом путешествии становилась красочнее и технологически продуманнее. И, кажется, Пиксар не собираются сбавлять обороты, что не может не радовать. В 2020 году выйдет их новый мульт, “Душа”.
П е рвая часть мультфильма «История игрушек» вышла на экраны 22 ноября 1995 года. Замысел таков: все игрушки в отсутствии своего хозяина живут своей жизнью и попадают в различные приключения, их главной миссией является «забота» о ребенке которому они принадлежат. Главной ценностью игрушек является любовь детей.
За время показа фильм собрал более 191 млн. долларов, став самым кассовым фильмом года. Сборы по всему миру составили 373,5 млн. долларов. И эти ошеломительные цифры неспроста, мультфильм действительно заслуживает внимания, особенно детского. Ведь все дети мечтают, чтобы однажды их любимые игрушки ожили. Впрочем, мультфильм можно смотреть всей семьёй, так как присутствует и несколько поучительных моментов для взрослых. Но сейчас, речь не об этом, давайте обратимся к истории создания мультфильма.
Как всё начиналось
Работы над «Историей игрушек» начались в 1991-м и длились четыре года. Удивительно, но проблем с технической частью было меньше всего. И в Disney, и в Pixar были очень довольны компьютерной графикой. Так, еще на начальном этапе съемок мультипликаторы показывали невероятно сложный эпизод, когда ковбой Вуди крадется по комоду, а на его рубашке видна рябая тень от проникающего через жалюзи света. Такой эффект было невозможно создать в классической рисованной мультипликации. Pixar использовали специальное программное обеспечение, которое позволяло менять светотень на трехмерных объектах так, что их можно было рассмотреть под любым углом с правильной тенью.
Главная проблема заключалась в чрезмерном контроле Disney над сценарием ленты. Если сначала Pixar хотела сделать добрый детский мультик, то из-за настойчивых советов компании-партнера фильм стал превращаться в историю о злых героях с совсем не детским сюжетом.
Задумка
Создатели фильма собрали «Историю игрушек» из множества детских воспоминаний. Но чтобы история заинтересовала зрителей, двум главным героям нужно было обладать своей «химией».
В этой статье мы расскажем вам как началась история мультфильма.
Всего 20 лет назад вряд ли кто-нибудь мог предположить, что в скором времени традиционная рисованная анимация уйдет на покой, уступив место компьютерным технологиям. То была эпоха великолепных диснеевских «Короля Льва», «Покахонтас», «Геркулеса» и «Мулан». Куда уж до них забавным, но таким странным и коротеньким компьютерным мультфильмам студии Pixar.
И все же был по крайней мере один человек, который верил в цифровое будущее анимации. Джон Лассетер родился в Голливуде и все детство мечтал связать свою жизнь с мультипликацией. Сначала он пробовал силы в короткометражном жанре — снял «Люксо-младший» (помните историю о двух настольных лампах?) и еще пару цифровых мультиков. А потом настало время для «Истории игрушек», которая, уж простите за каламбур, вошла в историю в качестве первого полнометражного трехмерного мультфильма, от рисованного на компьютере.
Увлечение компьютерной анимацией у Джон Лассетера возникло во время наблюдения за процессом съемок фильма «Трон». Увиденное настолько впечатлило его, что аниматор твердо для себя решил — будущее только за цифровым форматом. Работая в Disney, он всеми силами продвигал идею создания такой ленты. В конце концов руководству студии это надоело и они уволили Джона Лассетера.
Пришлось устроиться в Lucasfilm, где он и создал свою первую цифровую короткометражку — «Приключения Андре и пчелы Уолли». Спустя некоторое время компьютерное подразделение Lucasfilm выкупил Стив Джобс, а Джон Лассетер стал исполнительным продюсером переименованной компании — Pixar.
Сначала студия рассчитывала в первую очередь на продажу специализированного ПО и дорогостоящих компьютеров для обработки графики, а анимация рассматривалась только как способ показать преимущества «железа». Кстати, именно этой цели служила знаменитая короткометражка «Люксо-младший» о пинающих мяч лампах. Продажи шли слабо, положение компании ухудшалось едва ли не с каждым днем, поэтому в итоге было решено развивать только анимационное направление.
После того как в 1989 году пятиминутный компьютерный мультфильм Джона Лассетера «Оловянная игрушка» получил «Оскара», дела Pixar пошли в гору. Было принято стратегическое решение — снять первый в мире полнометражный полностью компьютерный мультфильм. Поднять такой проект в одиночку было невозможно, поэтому Pixar пришлось пойти на сотрудничество с Disney.
Работы над «Историей игрушек» начались в 1991-м и растянулись почти на четыре года. Любопытно, что проблем с технической частью было меньше всего. И в Disney, и в Pixar были очень довольны компьютерной графикой. Так, еще на начальном этапе съемок мультипликаторы показывали невероятный по своей сложности эпизод, когда ковбой Вуди крадется по комоду, а на его рубашке видна рябая тень от проникающего через жалюзи света. Такой эффект было невозможно создать в классической рисованной мультипликации. В Pixar же использовали специальное ПО, которое позволяло менять светотень на трехмерных объектах так, что их можно было рассмотреть под любым углом с правильной тенью.
Главная же проблема заключалась в чрезмерном контроле Disney над сценарием ленты. Если сначала Pixar хотела сделать добрый детский мультик, то из-за настойчивых советов компании-партнера фильм стал превращаться в историю о злых героях с недетским сюжетом.
Когда была готова половина мультфильма, руководство двух студий ужаснулось — работа никуда не годилась. Дошло до того, что в Disney приняли решение о закрытии проекта. «Историю игрушек» спасли регулярные инвестиции Стива Джобса и полная переделка сценария. В конце концов в 1994 году к финансированию анимации снова подключилась Disney, вновь поверившая в проект.
Техническое воплощение легенды.
Всего над «Историей игрушек» работало около 100 человек. Для сравнения, еще одну легенду — «Короля Льва» — рисовали почти 800 художников. Создание истории о львенке Симбе обошлось Disney в $45 млн, тогда как первый компьютерный мультфильм стоил $30 млн.
На первом этапе за дело принялись художники, вручную нарисовавшие эскизы для общих планов мультфильма — например, для уличных сцен. Затем настало время для самого главного — работы над трехмерными моделями героев «Истории игрушек». Кинематографисты создали подробнейшие таблицы размеров для каждого персонажа и эскизы моделей, после чего на основе этого скульпторы вылепили из глины фигурки героев.
Затем на эти модели нанесли особую координационную сетку, которая облегчала считывание габаритов трехмерным сканером и перенос их в компьютер. После оцифровки отдельные участки моделей помечались особыми маркерами, указывавшими на то, что эта часть тела будет двигаться в мультфильме. К примеру, такую метку ставили на изгибе локтя или на коленном суставе куклы.
Каждый герой получил собственный виртуальный «скелет», состоявший из множества подвижных элементов. Например, у ковбоя Вуди было более 700 таких элементов, причем около 200 приходилось на лицо и 58 из них — на рот. Джон Лассетер старался добиться как можно большей правдоподобности во всем. Если на экране показывают деревья, то они должны выглядеть как настоящие, а главные герои, конечно же, просто обязаны были выглядеть как «живые» игрушки с анимацией губ, в точности повторяющих все звуки во время разговоров.
Следующий этап — самый тяжелый. Студии Pixar надо было буквально оживить персонажей, а также синхронизировать их мимику и рот с заранее записанными диалогами актеров, занимавшихся озвучиванием.
Всего на компьютере было создано более 400 моделей персонажей, причем на обработку коротенького анимационного эпизода длительностью 8 секунд уходила неделя. Работа над «Историей игрушек» и вовсе была бы неподъемной, если бы не программа Menv, на протяжении нескольких лет разрабатывавшаяся в недрах Pixar.
Она упрощала работу аниматоров, позволяя им задавать только определенные параметры для ключевых кадров при движении персонажей. Программа опиралась на эти данные и самостоятельно добавляла промежуточные кадры. Таким образом, мультипликаторам не надо было дорисовывать каждый кадр.
Еще один пласт работы заключался в разукрашивании трехмерных объектов, которые сразу после оцифровки выглядели как бесцветные фигуры с «проволочной» контурной сеткой. Нанесение красок доверили художникам, работавшим в графических редакторах вроде Photoshop. Отдельные специалисты отвечали за детальное оформление кадров и добавляли на текстуры такую «мелочь», как пыль, потертости и т. д.
Наконец, финальные штрихи почти готовым эпизодам придавали дизайнеры, работавшие с виртуальными источниками света. С помощью компьютерной программы просчитывались тени и отражения.
Каждый кадр «Истории игрушек» в итоге прошел через восемь разных команд аниматоров. Одни занимались освещением, другие — размещением персонажей в кадре, третьи работали с программой Menv, четвертые отвечали за цветовую палитру, пятые синхронизировали движения губ с диалогами актеров и т. д. Оставалось всего ничего — отредактировать почти 115 тыс. кадров и записать мультфильм на пленку.
Для этого Pixar нуждалась в огромных по тем временам мощностях. Доверить просчет всех сцен решили супер-компьютерам компании Sun. На обработку каждого кадра на всех этапах рендеринга уходило от 45 минут до 30 часов в зависимости от сложности. Если бы финальным просчетом анимации занимался один компьютер, у него на это ушло бы около 100 лет. Благо в Pixar использовали более 100 машин с тремя сотнями процессоров.
Усилия команды привели к настоящему фурору. Мультфильм получил сплошь позитивные отзывы от критиков и зрителей, «Историю игрушек» наградили «Оскаром» за особые достижения и признали национальным кинодостоянием. Затраченные на производство ленты $30 млн (по другим данным — $50 млн, с учетом рекламной кампании) отбились с лихвой. Детище Pixar стало самым кассовым фильмом 1995 года, а в общей сложности принесло своим создателям почти $362 млн.
Пересмотрите «Историю игрушек». Возможно, мультфильму не хватает современного уровня детализации (как, например, у Салли из недавней «Корпорации монстров» с его сотней тысяч миллионов шерстинок на голове), а также изящности в игре света и тени, но персонажи все равно воспринимаются как живые, насколько вообще «живыми» могут быть мультяшные герои.
Если вам понравилась наша статья ставьте палец вверх вам не сложно нам приятно мы стараемся ради вас.
Если хочешь узнать ещё больше о мире мультфильмов тогда тебе стоит присоединиться к нам, Подпишись!
19 ноября мы отмечаем годовщину выхода фильма «История игрушек» — ровно 25 лет назад в Лос-Анджелесе состоялась премьера первого полнометражного мультфильма студии Pixar.
Это первый анимационный фильм, полностью созданный на компьютере (ни один кадр не был нарисован вручную), который доказал всему миру состоятельность этой технологии, а также помог студии Pixar начать своё творческое восхождение.
В этом посте я расскажу, как появилась задумка этого мультика, какие трудности возникли во время создания и при чём тут Стив Джобс и Тим Бёртон — расскажем в нашем материале.
Часть 1. Как Джона Лассетера сначала выгнали из Disney, а потом умоляли вернуться и феноменальный курс в институте
В 1979 году состоялся фантастический выпуск Калифорнийского института искусств (Calarts). Почему фантастический?
Вот некоторые люди, которые тогда выпустились вместе, ещё не зная, что ждёт их впереди:
- Брэд Бёрд (будущий создатель «Стального гиганта», «Суперсемейки» и «Рататуя»)
- Генри Селик (будущий режиссёр «Коралины в Стране Кошмаров»)
- Тим Бёртон (в представлении не нуждается, но для проформы скажем, что это режиссёр «Эдварда руки-ножницы», «Трупа невесты» и «Битлджуса»)
- Джон Маскер (будущий режиссёр «Русалочки», «Аладдина» и «Геркулеса»)
- Крис Бак (будущий режиссёр обеих частей «Холодного сердца»)
- Ну и, безусловно, Джон Лассетер, будущий креативный директор Pixar и Disney Animation Studio, речь про которого пойдёт дальше.
Во время учёбы все они много времени проводили в знаменитом классе A113 (который потом станет «пасхальным яйцом» во множестве анимационных произведений).
(Лассетер сверху с карандашом в зубах. Ниже и левее улыбается Тим Бёртон, справа с усами сидит Брэд Бёрд)
Во время своего выпускного года Лассетер побеждает в конкурсе студенческих работ со своей короткометражкой «Леди и лампа» (позднее именно поэтому лампа станет символом Pixar).
Сразу после выпуска, в 1979 году, Джон Лассетер был принят аниматором в Disney. Конкурс был феноменальный — почти 200 человек на место.
Лассетер работал над некоторыми проектами Disney вроде «Лис и пёс» и «Фантазия 2000».
В 1981 году выходит фильм «Трон», в котором впервые массово используется компьютерная графика. Джон, увидев это кино, навсегда будет очарован новыми техническими возможностями.
Лассетер делает наброски короткого мультика, основанного на детской повести «Отважный маленький тостер», который собирался полностью смоделировать на компьютере.
Джон даже презентует свою идею Джеффри Катценбергу, тогдашнему главе Walt Disney Feature Animation (запомните это имя — к нему мы ещё вернёмся).
Увы, но Катценберг отвергает эту идею, посчитав её коммерчески неуспешной.
Для того, чтобы презентовать ему идею напрямую, Джон перепрыгнул через своих непосредственных руководителей, что им, мягко говоря, не понравилось, — Лассетер был уволен через 15 минут после получения отказа.
В 1983 году Лассетер был нанят Lucasfilm (и лично Джорджем Лукасом).
Тогдашний со-основатель Lucasfilm Элви Рей постоветовал Лассетеру присоединиться к команде Lucasfilm Computer Graphics Group, занимающейся компьютерным моделированием.
Команда потом отделилась, а в 1986-м её покупает Стив Джобс, увидев в стартапе то, что он обожал, — сочетание новаторства и высоких технологий.
Элви Рей возглавляет новую компанию, которой даёт название Pixar.
Техническим директором становится Эд Катмулл, а креативным — Джон Лассетер.
Pixar начинает создавать инновационные анимированные фильмы полностью на компьютере.
В 1988 году студия создаёт короткометражный мультик «Оловянная игрушка», который побеждает на премии «Оскар» (это первое CGI-произведение, получившее награду).
Disney, будучи почти монополистом в области развлекательной анимации, не мог не заметить успех Pixar.
Сначала Катценберг (тот самый, который пять лет назад уволил Лассетера) просто предложил Джону вернуться в Disney.
Мультипликатор, недолго думая, ответил знаменитым отказом:
«Я могу уйти в Disney и быть режиссёром, или я могу остаться здесь и творить историю».
Но Катценберг загорелся идеей создания компьютерного мультика, вдобавок к этому Disney обладал тем, чего так не хватало Pixar, — деньгами.
Две компании сели за стол переговоров, чтобы обсудить совместную работу над мультфильмом.
Переговоры были долгими и тяжёлыми. С одной стороны, авторитарный Катценберг хотел почти полного контроля над лентой, а с другой — не менее авторитарный Стив Джобс всячески отвоёвывал свободу творчества.
К самой затее сотрудничества с Pixar очень плохо относился глава Disney Майкл Айснер, так как до этого у студии не было примеров создания фильмов сторонними компаниями, без непосредственного участия мышиной корпорации в творческом процессе.
Однако прецедент случился буквально во время переговоров: в 1993 году подобное право получили однокурсники Лассетера Тим Бёртон и Генри Селик.
Disney выдал им почти 20 миллионов долларов на создание их полностью авторского проекта — «Кошмара перед Рождеством».
Этот прецедент помог сдвинуть переговоры с мёртвой точки.
В итоге условия сделки были далеки от идеальных:
- Pixar получал около 30 миллионов долларов на создание фильма от Disney
- Pixar должен был показывать Disney материал на протяжении всего процесса
- Pixar получал ⅛ от суммы сборов
- Pixar лишался всех прав на персонажей (а это и продажа игрушек, и сиквелы, и компьютерные игры и так далее).
Но даже такие условия были приемлемы — Pixar мог начать творить!
Первоначальный сценарий сильно отличался от финального.
В нём главным злодеем был Вуди — он представлял собой злого и подлого персонажа, который манипулировал остальными игрушками. По сюжету, остальные игрушки объединяются с наивным идеалистом Баззом Лайтером и начинают противостоять тирану (нечто подобное мы увидим в третьей части, где похожую роль диктатора исполнил медведь Лотсо).
Через несколько итераций стало понятно, что сюжет не работает, тогда Джеффри Катценберг потребовал в течение двух недель изменить сценарий, сделав персонажей более «человечными».
Лассетер вместе с остальными сценаристами начал авральную работу, и в результате к нужному сроку появилась история, которую мы в итоге и увидели на экране.
Игрушки в качестве действующих лиц были выбраны неслучайно: у зверей слишком сложная текстура (шерсть, чешуя), а люди у Pixar пока выходили откровенно страшными.
Поэтому были взяты игрушки — у них и материал попроще (пластик, дерево), и мимика победнее.
По-английски он зовётся Buzz Lightyear, то есть Базз Световой Год.
Белый цвет костюма был перенят от цвета костюмов реальных астронавтов, а вот зеленый и фиолетовый — любимые цвета Джона Лассетера и его жены. 🙂
Своё имя Базз получил от Базза Олдрина — второго человека на Луне, который ступил на неё через несколько минут после Нила Армстронга. Вообще-то он Юджин Олдрин, а прозвище «Buzz» возникло ещё в детстве: его младшая сестра не могла выговорить слово «brother» («брат») и сокращала его до «buzzer», а затем и вовсе до «buzz».
Кстати, на известной фотографии «Человек на Луне» изображён именно Олдрин, Армстронг фоткает.
У меня в голове до сих пор играет музыка из финала, так что извините, что засоряю вам ленту, но не могу иначе.
Я сижу на DTF с 2018 года (а зарегистрировался в 2020-ом, да), так что по доброй старой традиции каждого уважающего себя "малоплюсного" парня здесь решил накатать свое мнение и пригласить к обсуждению темы, которую уже давно все обсудили. Тем более, у меня уже есть опыт.
Предлагаю не ограничивать себя в спойлерах.
Для меня "История игрушек: Большой побег" всегда выглядела как попытка сделать ремейк спустя 11 лет после выхода предыдущей нормальной части. Добавить графона, впихнуть идею, которую уже вроде бы обсудили в предыдущей части (Энди взрослеет, но всех нас ценит).
Мне понравилась Toy Story 3 за то, что она рассказывала про новое веселое приключение для старых героев. Приключение в духе первых двух частей. С очевидным антагонистом (Сид-Старатель-Лонцо, трое подлецов, получающих по заслугам, хах). С "безумным" планом в стиле "Миссии: невыполнима". И с шуточками про Барби, как во второй части :-)
Финал "трешки" был хорош: смена поколений и все такое. Пожалуй, это был самый серьезный момент фильма. Он мне, конечно, тоже понравился. Но.
Она изначально, как мне кажется, делалась с расчетом на то, чтобы детям было весело и любопытно, подростки и молодежь получили свои отсылки к поп-культуре (ах этот Базз с его вулканским приветствием, в его случае - прощанием), а взрослые - наверно, порадовались еще одному "духоподнимающему" рассказу о дружбе и семье. Широкого философствования - по минимуму, больше конкретная мораль. Я думаю, именно таким в 1995 году видели проект и Лассетер, и Джобс, и Доктер, и Стэнтон, и все остальные. Во многом из этого они развили концепцию и всех остальных своих проектов тех лет.
В сиквеле все сделали больше, круче, смешнее, "отзеркалив" персонажей: теперь Вуди узнал о своем "происхождении" и Баззу пришлось наставлять его на путь истинный. Немного лично меня напрягала последняя песня Хрипуна, как будто Toy Story хотят превратить в комедию-мюзикл для самых маленьких. К счастью, по этому пути франшиза не пошла.
Но внутри заложенной в нее концепции была проблема: раз вы хотите на серьезных щщах говорить только об отношениях "маленький ребенок-игрушки", то скоро эта тема исчерпается. Что, собственно, и произошло в третьей части. Поэтому, наверно, многие говорят, что это был идеальный финал.
Я бы описал "Историю игрушек 4" именно этой фразой из "Угадай, кто придет сегодня к обеду?" (1967). По сути это мелодрама с неприкрытыми философствованиями о любви: Вуди и Энди/Бонни, Вуди и Бо, Габи-Габи и Хармони. Конечно, тут есть ветка с Вилкинсом, которая о другом - о том, как игрушки рождаются и осознают себя. Но она не в центре сюжета, да и не особо ей был подведен итог, честно говоря.
Все это крайне необычно для предыдущих "Историй игрушек". Не могло быть в них таких фраз:
- Такая безумная верность.
- Достойна такой же любви!
Потому что. нафиг это нужно в детском мультфильме? Ну ладно, вы стали делать более отвлеченно-философские вещи типа "Головоломки", но у Toy Story есть своя концепция, которую вы рискуете сломать. И они (Лассетер+Стэнтон, я их "виню" во всем) рискнули. И они сломали. Благодаря чему эта франшиза обрела невиданный до селе потенциал.
Я несколько раз пересматривал сцену прощания Вуди с Бо и финальную сцену их воссоединения. Только на 3 раз я допер, что она предлагает ему ехать с ней (я тупой, простите), но он отказывается, так как не может покинуть Энди (нет, не так: он не хочет покидать его). И она принимает его выбор этим сценарным клише "шляпа-лицо" (не "рука-плечо", Майлз, извини), которое она обязательно должна повторить при повторном расставании. В результате, Вуди спустя 9 лет оказывается не нужен ни Энди, ни Бонни, но к последней настолько привязан, что хочет помочь ей в жизненных трудностях, чего никогда раньше игрушки не делали - они спасались от каких-то опасностей, жили своей жизнью, но хозяинам руку помощи не подавали. Вуди превращается в ментора для Бонни и мне очень понравилось, как один обзорщик сказал, что это похоже больше на токсичную привязанность, а не любовь. Однако - весьма интересно - что Вуди оказывается-то прав насчет Вилкинса - тот обязательно должен быть рядом с Бонни (хотя тут пиксаровцы оставляют массу места для сомнений, можно хоть статью по философии писать). Но встает вопрос: должен ли он ради хозяйки отказываться от Бо второй раз? Это совсем другой взгляд на взаимоотношения "ребенок-игрушка", по сравнению с тремя прошлыми частями.
То, что "ребенок-игрушка" - это некое подобие отношений любви, а не "хозяин-собачка" подчеркивается по линии Габи-Габи - Хармони. Прямо толсто об этом говорит сцена, где Габи говорит, что "Хармони делает все идеально". Но последней та оказывается не нужна. И Вуди такой: да ладно, есть еще много других детей. И оказывается, что есть ребенок, которому Габи действительно нужна (ну, в данный момент). Опять же совсем другой взгляд, по сравнению с той дружбой, которую испытывали игрушки к Энди.
Но мультфильм, как по мне, не про Бонни и не про Габи-Габи, он про Вуди и Бо. И вот эта простая идея снова свести их вместе, но рассказать их историю подробно, которая, видимо, родилась еще при разработке "Большого побега", в том варианте, в котором она в конце концов воплотилось, ломает фокусировку на "ребенке-игрушке". Ведь теперь It's a story about love!
Мне очень понравилась финальная сцена и в целом финал (потому что он ломает все, что было раньше - наслаждение от разрушения, извините). Особенно, как прорисовали Бо в ней: сначала она просто смотрит на уходящего Вуди с улыбкой, потом, когда он поворачивается к ней, у нее постепенно становится удивленный вид лица и она начинает часто дышать, а увидев, что он возвращается, она, нераздумывая, прыгает со своего "балкона". Вообще сцена с тем, как он ее кружит, и та, где она снова прикасается к его шляпе, и тот самый "там-ди-та-та-там". Короче, этот
. мне очень зашли. При этом, если бы это был новый проект, как какая-нибудь "Душа", он бы не производил столь сильного впечатления. Потому что Стэнтон, писавший окончательный вариант истории, базировался на 24-летнем опыте развития франшизы, где не нужно объяснять, кто такой Вуди, кто такая Бо, давайте сразу к деталям.
Мне понравились "пластыри", которыми заклеивает себя Бо, мне понравились аж 2 (зачем 2-то?) сцены, где Вуди с ней любуются окружающей красотой этого мира.
Конечно, были как минимум 2 вещи, от которых мое восхищение мультом испарялось: 1) Бо никогда не была игрушкой Энди? Бо еще не было, когда Молли боялась ложиться спать? Эм, а то, что в начале первой части Молли - карапузка, а Энди уже играет с Бо, Стэнтона не смутило? Вроде сценарист всех 4 частей, а подумать над этим он не захотел; 2) Базз Лайтер тут, конечно, опущен до "шута", обращающегося к "внутреннему голосу", видимо, потому что Вуди в этой части детей веселить не может и должен быть противовес. Но к этому моменту я лично отношусь снисходительно, ведь Стэнтон и его молодая подопечная-сосценаристка ведут к тому, чтобы в конце Базз сказал: "Слушай внутренний голос". Но стоило из-за этого опускать такого героя? Мне кажется, мы бы не обиделись, если бы фильм полежал на полке еще пару лет и вы бы как-то лучше скомпоновали комедийные и мелодраматические элементы.
По поводу того, что характеры у героев "попылили" - нет, я так не считаю (за исключением Базза). Все-таки то, что вы справились с одними жизненными проблемами, не значит, что нет новых. И вот вы снова не знаете, что делать. Так происходит с Вуди. Все логично. Бо в первых двух частях была просто девушкой главного героя. Ну и типа все. Ее характер был достаточно слабо прописан. Его можно было повернуть в любом направлении. И в "четверке" получилось неплохо: теперь она ценит свою независимость и независимость Вуди, давая ему вести себя так, как он хочет, но и не ограничивая себя в действиях. Это, кстати, лично мне помогло принять то, что я не особо понимал в первой части - с чего это Бо верит, что Вуди убил Базза? Почему в окне последним оставался Спиралька, а не Бо? Почему Бо потом говорит в пустоту: знал бы ты, как Энди по тебе скучает? С концепцией Бо как личности, ценящей свою автономию, тут все немного яснее, хотя оправдывать сценарные грехи 26-летней давности - это смешно, конечно.
Да, Pixar сказали, что это их грандиозный финал. Но. Линию Вилкинса не раскрыли до конца (так почему он живой-то? Почему Вуди, сделанный в 50-ых, ожил именно тогда, когда с ним стал играть Энди? Или игрушки как-то забывают предыдущих хозяев? Очевидные вопросы, лежащие на поверхности). Вопрос с тем, как теперь будет жить Вуди без своего "Мне в сапог заползла змея" - также остался не отвеченным. Поэтому, я думаю, что если Том Хэнкс через 10 лет все еще будет радовать нас своим присутствием, мы увидим и пятую часть. Ну, еще и потому что теперь концепция проекта стала весьма широкой.
Насколько я знаю, уже сейчас Доктер работает над "Лайтером" - сериалом для Disney+, и я б хотел его увидеть с учетом того, что. ну, помните, был в 1990-ых сериал про Лайтера, который действительно является космическим рейджером. Мне он нравился. Но "Лайтер" - это прецедент, что The trail never ends - даже старая команда готова работать над продолжениями.
Читайте также: